Раскадровка в анимации: зачем она нужна и как её сделать

Знаете, что общего между «Парком Юрского периода», «Вверх» и вашим любимым аниме? Все они начинались с набора простых рисунков, которые сейчас принято называть раскадровкой (или, если хотите быть совсем уж формальным — storyboard).

В мире современной анимации и кинематографа storyboard стала чем-то вроде DNA проекта — она определяет, как будет развиваться визуальное повествование, какие ракурсы мы увидим и как будет двигаться камера. По сути, это визуальный сценарий, который превращает абстрактные идеи в конкретные кадры.

Забавно, но многие начинающие аниматоры считают раскадровку необязательным этапом работы (да, я тоже так думал когда-то). Примерно как джуниор-разработчик думает, что документация — это для слабаков. Но поверьте моему опыту: попытка создать анимацию без раскадровки сродни написанию кода без архитектуры — технически возможно, но результат обычно… скажем так, оставляет желать лучшего.

Давайте разберемся, почему этот, казалось бы, простой набор эскизов стал неотъемлемой частью любого серьезного анимационного или кинематографического проекта.

История раскадровки

Знаете, кто первым додумался рисовать фильмы до их создания? Наш французский друг Жорж Мельес — тот самый волшебник раннего кинематографа, который отправил ракету в глаз Луны (в кино, разумеется). Правда, его рисунки были больше похожи на заметки безумного ученого, чем на современные storyboard, но именно он заложил основы визуального планирования в кино.

Важный этап в развитии раскадровки связан с началом 1930-х, когда один предприимчивый господин по имени Уолт Дисней (возможно, слышали о таком?) решил систематизировать процесс визуального планирования. Хотя элементы раскадровки уже использовались студией при создании таких мультфильмов как Plane Crazy и Steamboat Willie в 1928 году, именно во время работы над «Тремя поросятами» (1933) этот метод был значительно усовершенствован. Представьте себе: аниматор Уэбб Смит разработал систему, при которой рисунки развешивались на доске, чтобы наглядно показать последовательность истории. Отсюда, кстати, и пошло название storyboard — буквально «доска с историей» (поразительно оригинально, не правда ли?)

Интересный факт: до этого момента художники Disney уже экспериментировали с эскизными набросками для таких мультфильмов как Plane Crazy и Steamboat Willie (да-да, тот самый с Микки Маусом), но это были скорее хаотичные попытки визуализации, чем системный подход.

На протяжении 1930-х годов всё больше голливудских анимационных студий начали внедрять практику визуального планирования, постепенно формируя специальные отделы с художниками-раскадровщиками. Этот подход, кстати, уже успешно использовался в игровом кино — еще в 1920-х годах режиссёр Сергей Эйзенштейн создавал подробные раскадровки для своих фильмов. К концу 1930-х эта практика стала более распространенной в Голливуде, и такие масштабные проекты как «Унесенные ветром» (1939) уже не обходились без тщательного визуального планирования каждой сцены.

На диаграмме показано развитие техники раскадровки в период с 1928 по 1933 годы, включая ключевые проекты: «Plane Crazy», «Steamboat Willie» и «Три поросенка»

Забавно, но принцип «семь раз отмерь, один раз сними» оказался настолько эффективным, что практически не изменился за последние 90 лет. Разве что бумагу и карандаш потихоньку вытесняют графические планшеты и специализированное ПО (о котором мы еще поговорим), но суть остается прежней: сначала рисуем, потом снимаем.

Основы создания раскадровок

Элементы раскадровки

Давайте поговорим о том, из чего же на самом деле состоит хорошая storyboard. И нет, это не просто «набор картинок в квадратиках», как может показаться на первый взгляд (хотя, признаюсь, я тоже так думал, когда только начинал).

Первое и главное — это план кадра. Помните старую добрую систему Кулешова с его таблицей крупностей? Так вот, в раскадровке мы оперируем теми же понятиями: дальний план, общий, средний, крупный и их вариации. Причем важно не просто выбрать план, но и продумать переходы между ними — монтировать соседние кадры нужно через крупность (если, конечно, вы не снимаете артхаус, где можно всё).

Следующий ключевой элемент — движение. И здесь мы говорим не только о том, как двигаются персонажи (хотя это, безусловно, важно), но и о движении камеры. Панорамы, наезды, отъезды — всё это нужно отразить в storyboard. Обычно это делается с помощью стрелок и кратких пометок, что-то вроде «CAM MOVE →» (да, почему-то даже русскоязычные художники часто пишут комментарии на английском — видимо, сказывается влияние голливудских туториалов).

Отдельного внимания заслуживает композиция кадра. Здесь действуют все те же правила, что и в фотографии или живописи: правило третей, ведущие линии, баланс масс. Только у нас есть дополнительное измерение — время. То есть композиция должна работать не только в статике, но и в движении (и да, это так же сложно, как звучит).

А еще есть такая штука как «атмосфера кадра». Звучит немного эзотерически, но на самом деле это вполне конкретные вещи: освещение, цветовая гамма, настроение сцены. В раскадровке мы обычно обозначаем это условно — тональностью рисунка или текстовыми пометками. Хотя некоторые особо упорные художники умудряются делать цветные storyboard (спойлер: обычно это пустая трата времени).

И наконец, технические заметки. Это может быть что угодно: длительность сцены, звуковые эффекты, диалоги, спецэффекты. По сути, storyboard должна содержать всю информацию, необходимую для производства сцены. Как говорил один мой коллега: «Хорошая раскадровка — это когда режиссер может уйти в отпуск, а фильм все равно снимут правильно» (спойлер: режиссеры почему-то все равно предпочитают оставаться на площадке).

Кстати, забавный факт: в современном производстве часто делают так называемые «превизы» — предварительную 3D-визуализацию сложных сцен. По сути, это та же storyboard, только в движении. Но базовые принципы те же самые — просто вместо карандаша используется Maya или Blender.

Основы создания раскадровок

Программы и инструменты

Помните времена, когда для создания раскадровки нужны были только карандаш и бумага? Ни я тоже — я застал уже цифровую эпоху. Но сегодня у нас есть целый арсенал инструментов, от которых разбегаются глаза (и иногда кошелек).

Начнем с бесплатных решений. Storyboarder — пожалуй, самый известный бесплатный инструмент в этой категории. Этакий «блокнот на стероидах» для художников storyboard. Простой интерфейс, базовые инструменты рисования, возможность добавлять заметки и даже экспортировать анимацию. Идеально для начинающих или для быстрых набросков. Правда, иногда программа ведет себя как капризный младенец — может неожиданно закрыться или «забыть» сохранить изменения (сохраняйтесь чаще, коллеги).

Для тех, кто готов инвестировать в свой инструментарий, есть StoryBoard Artist Studio (от $49.99) — более продвинутое решение с библиотекой готовых ассетов и расширенными возможностями экспорта. А если вы работаете в серьезной студии или у вас неограниченный бюджет, то Toon Boom Storyboard Pro (от €44/месяц) — это такой Rolls-Royce мира раскадровки. Правда, чтобы освоить все его функции, придется потратить столько же времени, сколько уходит на изучение Photoshop (то есть примерно вечность).

Для владельцев iPad отдельная песня: Procreate ($10) — просто великолепный инструмент для рисования, который прекрасно подходит и для storyboard. А еще есть Paper By FiftyThree (бесплатный) и Celtx Shots (тоже бесплатный) — оба достойные варианты, если вы предпочитаете работать со стилусом.

Кстати, о «классике жанра» — Autodesk Sketchbook теперь тоже бесплатный. Да-да, тот самый Autodesk, который обычно берет за свои продукты как за космический корабль, вдруг решил проявить щедрость. Не то чтобы я жаловался…

Но знаете что? Какой бы инструмент вы ни выбрали, помните главное правило раскадровки: основная задача — это коммуникация. Неважно, используете ли вы последнюю версию Toon Boom или рисуете на салфетках в кафе (хотя второе я все-таки не рекомендую) — главное, чтобы ваша идея была понятна команде. Как говорил один мой старый преподаватель: «Лучше корявый рисунок с четкой идеей, чем идеальная картинка без смысла».

И да, не забывайте про резервное копирование. Поверьте моему опыту: нет ничего хуже, чем потерять неделю работы из-за внезапного обновления Windows (да, это случилось со мной, и нет, я до сих пор не могу об этом спокойно говорить).

Раскадровка в производстве анимации

2D анимация

А теперь давайте поговорим о том, как storyboard работает в реальном производстве 2D анимации. И поверьте, это гораздо более захватывающий процесс, чем может показаться на первый взгляд (особенно когда дедлайн уже завтра, а у вас готова только половина сцен).

В мире 2D анимации раскадровка играет роль своеобразной «карты сокровищ», где каждый кадр — это ключевой момент повествования. И первое, с чем приходится столкнуться — это баланс между детализацией и скоростью работы. Как говорил один мой коллега из крупной анимационной студии: «Раскадровка должна быть достаточно подробной, чтобы аниматор понял идею, но не настолько детальной, чтобы ее создание заняло больше времени, чем сама анимация» (мудрый человек, хотя его кофейная зависимость немного пугает).

Особенность 2D анимации в том, что здесь storyboard должна учитывать не только композицию и движение, но и временные затраты на анимацию. Каждый сложный переход или детальное движение — это дополнительные часы работы художников-аниматоров. Поэтому в раскадровке часто используются специальные пометки о типе анимации: полная (full), ограниченная (limited) или статика (hold).

Интересный момент: в современной 2D анимации storyboard часто делается уже с учетом возможностей программного обеспечения. Например, если вы знаете, что будете использовать риггинг персонажей в After Effects, это влияет на то, как вы планируете движения в раскадровке. Или, как я люблю говорить: «Рисуй с умом, чтобы потом не пришлось анимировать вручную то, что компьютер мог бы сделать за тебя».

Отдельная история — это тайминг в 2D анимации. В storyboard обязательно указывается предполагаемая длительность каждой сцены и ключевых моментов. Это критично важно для синхронизации с музыкой и звуковыми эффектами (поверьте, нет ничего хуже, чем обнаружить на финальной стадии, что ваша анимация не попадает в музыкальные акценты).

И да, давайте не будем забывать про эмоциональную составляющую. В 2D анимации раскадровка должна передавать не только действия, но и характер персонажей, их эмоциональное состояние. Как однажды сказал мой знакомый режиссер анимации: «Хорошая раскадровка заставляет чувствовать сцену еще до того, как она анимирована» (правда, он это сказал в 3 часа ночи после пятой чашки кофе, но суть верная).

А еще есть такая вещь как «читаемость» кадра. В 2D анимации это особенно важно, потому что у вас нет роскоши работать с реальной глубиной пространства. Все должно быть понятно в плоском изображении, и это тоже нужно учитывать при создании storyboard. Иногда приходится жертвовать крутым ракурсом ради того, чтобы сцена была понятна зрителю (да, я знаю, больно).

Раскадровка в производстве анимации

3D анимация и кинематограф

Знаете, что общего между последними «Мстителями» и вашей любимой 3D анимацией от Pixar? В обоих случаях значительная часть подготовительной работы — это создание детальных раскадровок. Правда, с появлением 3D технологий этот процесс обзавелся парочкой интересных особенностей.

В мире 3D анимации и современного кино storyboard часто превращается в так называемый «превиз» (pre-visualization) — предварительную 3D визуализацию сцен. Представьте себе что-то среднее между традиционной раскадровкой и черновой версией финального кадра. Это как играть в Sims, только вместо того, чтобы заставлять персонажей готовить салат, вы планируете эпическую битву с инопланетянами (гораздо веселее, согласитесь).

Забавно, но даже в эпоху продвинутых 3D технологий многие режиссеры начинают именно с традиционных карандашных набросков. Как сказал один известный режиссер (имя которого я не буду называть, чтобы не создавать проблем с авторскими правами): «Иногда проще объяснить идею пятиминутным наброском на салфетке, чем неделю возиться с 3D моделями».

В современном кинопроизводстве раскадровка часто становится основой для:

1. Планирования сложных технических сцен (попробуйте объяснить команде из 100 человек, как снимать погоню на летающих мотоциклах, без визуальной референции)
2. Расчета бюджета (каждый спецэффект стоит денег, и лучше понять это на этапе планирования)
3. Координации работы разных департаментов (от каскадеров до специалистов по спецэффектам)

Особенно интересно наблюдать, как раскадровка эволюционирует в процессе производства. Начинается всё с простых набросков, потом появляется 3D превиз, затем аниматики (анимированные раскадровки), и наконец — финальный рендер. Причем каждая итерация может существенно отличаться от предыдущей. Как однажды заметил мой коллега: «План съемок — это как прогноз погоды: чем дальше от начала проекта, тем менее точный».

И да, в современном производстве часто используются гибридные подходы. Например, для одной сцены могут существовать и традиционная storyboard, и 3D превиз, и даже VR-прототип. Каждый инструмент хорош для решения определенных задач. Главное — не увлечься и не потратить весь бюджет на планирование (хотя, признаюсь, такое тоже случается).

Отдельно стоит отметить роль раскадровки в планировании CGI-сцен. Когда вы работаете с компьютерной графикой, каждая минута рендера стоит денег. Поэтому лучше десять раз проверить раскадровку, чем один раз перерендерить сцену (особенно если у вас там миллион частиц и сложное освещение).

Практические советы для художников

Знаете, после 15 лет работы с раскадровками в разных проектах — от скромных образовательных роликов до амбициозных анимационных сериалов — я собрал коллекцию советов, которые реально работают. Причем некоторые из них я узнал исключительно методом проб и очень болезненных ошибок (да, история про потерянные файлы все еще преследует меня в кошмарах).

Первое и главное: начинайте с миниатюр. Серьезно, забудьте про детали на первом этапе. Делайте быстрые, грубые наброски размером с почтовую марку. Почему? Потому что на этом этапе важна композиция и общее движение сцены, а не то, насколько красиво вы нарисовали бровь главного героя. Как говорил мой первый арт-директор: «Если сцена не работает в размере спичечного коробка, она не заработает и в IMAX».

Следующий важный момент — это ритм повествования. Представьте, что ваша storyboard — это комикс без слов. Каждый кадр должен логически вытекать из предыдущего и подводить к следующему. И да, иногда для этого придется пожертвовать очень красивым кадром, который никак не вписывается в общий поток (больно, знаю, но необходимо).

Технический совет, который спас мне нервы не один раз: используйте систему нумерации кадров с запасом. Например, если у вас сцена 1, нумеруйте кадры как 1.10, 1.20, 1.30 и так далее. Почему? Потому что когда режиссер внезапно решит добавить кадр между 1.1 и 1.2, у вас будет куда его вставить (1.15), и вся остальная нумерация не поедет.

О программах я уже говорил, но есть еще один важный момент: всегда держите под рукой простой блокнот и карандаш. Иногда лучшие идеи приходят в самый неподходящий момент, и нет ничего хуже, чем потерять крутую идею, потому что ваш планшет разрядился.

И последнее, но не менее важное: учитесь принимать критику. Раскадровка — это рабочий инструмент, а не произведение искусства для галереи. Если режиссер или продюсер просит что-то изменить, это не значит, что ваша работа плоха — это значит, что проект развивается. Как сказал один мой мудрый коллега: «В раскадровке нет места эго — есть только служение истории» (звучит немного пафосно, но по сути верно).

А, и еще один бонусный совет из личного опыта: всегда, ВСЕГДА делайте резервные копии своей работы. Желательно в трех местах: на компьютере, в облаке и на внешнем носителе. Поверьте, однажды это спасет вам не только нервы, но и карьеру.

И помните: каждый художник когда-то начинал с ужасных раскадровок. Главное — не останавливаться и продолжать практиковаться. Со временем вы начнете видеть фильм еще до того, как возьмете в руки карандаш. И это, пожалуй, самое крутое чувство в нашей работе.

Заключение

Если вы дочитали до этого места, то уже наверняка поняли: storyboard — это нечто большее, чем просто «комиксы для профессионалов» (хотя, признаюсь, это определение мне всегда нравилось). Это мощный инструмент визуального планирования, который прошел путь от карандашных набросков Жоржа Мельеса до современных 3D-превизуализаций.

Знаете, что самое интересное? Несмотря на все технологические прорывы последних десятилетий, базовые принципы раскадровки остаются неизменными. Неважно, работаете ли вы над инди-игрой или блокбастером с бюджетом в сотни миллионов — вам всё равно нужно уметь рассказывать историю через последовательность кадров.

И если вы только начинаете свой путь в мире storyboard, помните: даже у Pixar когда-то были кривые наброски на салфетках. Главное — начать и не бояться экспериментировать. В конце концов, как любил говорить мой первый наставник: «Лучшая раскадровка — та, которая помогает рассказать историю, даже если она нарисована криво» (правда, он это сказал после 36 часов без сна, но суть от этого не меняется).

Если после прочтения этого материала вы загорелись идеей погрузиться в мир анимации глубже, то самое время подумать о профессиональном обучении. На сайте KursHub собрана подборка курсов по анимации и мультипликации – от базовых основ до продвинутых техник. Там вы сможете найти программу обучения, которая подойдет именно вам, независимо от вашего текущего уровня подготовки. В конце концов, даже самые опытные аниматоры когда-то начинали с простых уроков и базовых техник

А теперь идите и рисуйте свои истории. И да пребудет с вами сила раскадровки! (простите, не удержался от киноотсылки).